Экскурсия по Эрмитажу

В центре Санкт-Петербурга, на набережной Невы, напротив

Петропавловской крепости, расположен крупнейший в России музей - Эрмитаж. В

его коллекциях хранится около трех миллионов экспонатов – произведений

живописи, скульптуры, графики, предметов прикладного искусства, монет,

орденов и знаков, образцов оружия, археологических памятников и других

ценностей, созданных многими народами мира с древнейших времен до наших

дней.

По масштабам и значению коллекций в один ряд с Эрмитажем могут быть

поставлены лишь Британский музей в Лондоне и Лувр в Париже. Эрмитаж – это

удивительный мир, полный чудес. И каждый может найти там то, что необходимо

именно его душе. Поистине редкостное единство: коллекций столь высокого

уровня, красота архитектурного обрамления, значительность исторических

ассоциаций – все это влечет к себе людей, составляя яркую, неповторимую

особенность сегодняшнего Эрмитажа.

Знакомиться с Эрмитажем можно по-разному. Можно изучать залы всех пяти

зданий Эрмитажа, можно изучать искусство по странам. Я предлагаю

познакомиться с этим замечательным музеем, путешествуя по моим любимым

залам .

Можно сказать, что в Эрмитаже находятся 7 больших отделов истории

культуры разных стран, а также целый ряд постоянно действующих выставок.

Однако, наряду с постоянными, Эрмитаж предлагает вниманию посетителей

временные выставки, периодически организуемые в музее.

При моих посещениях Эрмитажа я спешу в отдел истории

западноевропейского искусства. Этот отдел существует в Эрмитаже с момента

основания музея. Его коллекции пользуются мировой славой и насчитывают

около шестисот тридцати тысяч экспонатов – произведений живописи и

скульптуры, гравюр и рисунков.

2.2.1. ИСКУССТВО ИТАЛИИ XIV-XVIII вв.

Кризис феодализма и зарождение на юге Европы, в Италии,

капиталистических отношений ознаменовали начало нового этапа в истории

человечества, открыли новые пути для развития искусства. В борьбе с

религиозным мировоззрением, господствовавшим в средние века, утверждалось

передовое, светское, гуманистическое мировоззрение, новая культура.

Постепенно преодолевая нормы и каноны церковного искусства прошлого,

передовые художники Италии обратились к изображению человека и окружающего

его мира.

Творчество наиболее значительных и прогрессивных мастеров раннего

Возрождения – Джотто (1276 – 1337), Донателло (1386 – 1466), Мазаччо (1401

– 1428) – в Эрмитаже не представлено. Однако ряд работ известных художников

и скульпторов XIII—XV веков позволяет в известной мере представить себе

характер итальянского искусства в этот период и основные пути его развития.

Наивысшего расцвета искусство Италии достигло в конце XV – первой половине

XVI века, в период Высокого Возрождения, когда творили такие мастера, как

Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан.

Государственный Эрмитаж один из немногих музеев мира, обладающих

подлинными работами величайшего художника, ученого и мыслителя эпохи

Возрождения – Леонардо да Винчи (1452 – 1519). В зале №214 находятся два

(примерно из десяти сохранившихся до наших дней) живописных произведения

Леонардо – «Мадонна с цветком» и «Мадонна Литта».

Отдельный зал посвящен итальянскому искусству XVII-XVIII вв. Из

выдающихся работ можно упомянуть декоративную скульптуру Джузеппе Маццуолы

«Гибель Адониса», картину Луки Джордано «Битва лапифов с кентаврами»,

замечательные картины Тьеполо – «Триумф императора» и другие с сюжетами из

истории Древнего Рима.

2.2.2. ИСКУССТВО ИСПАНИИ XVI—XVIII вв.

В Эрмитаже — одно из лучших и мире собраний испанской живописи.

Во второй половине XVI—начале XVII века в Испании работал один из

величайших европейских живописцев Доменико Теотокопули (1541—1614). Грек по

национальности, родившийся на острове Крит, он получил в Италии прозвище

Эль Греко. Талант художника формировался под воздействием итальянских

образцов (Эль Греко работал в мастерской Тициана, изучал картины старых

мастеров). Но в не меньшей степени повлияли на него условия, в которых он

работал в Испании. Атмосфера религиозного фанатизма и мистики окружала его

в Толедо—бывшей столице страны и оказывала большое влияние на чуткую и

впечатлительную натуру художника. Во многих, обычно религиозных,

композициях он изображает странные, неестественно вытянутые фигуры, в

фантастическом окружении, что создаст настроение таинственности и некоторой

тревоги.

В Эрмитаже находится лишь одно позднее произведение Эль Греко

«Апостолы Петр и Павел», но это подлинный шедевр мастера.

Величайший живописец XVII века Диего Веласкес де Сильва, оказавший

большое влияние на развитие реализма в искусстве в ряде европейских стран,

представлен несколькими работами.

С наибольшей полнотой первоклассными произведениями представлено в

Эрмитаже творчество последнего великого живописца Испании XVII века-

Бартоломе Эстебана Мурильо (1618 – 1682). Не случайно И.Е. Репин говорил о

том. что изучать Мурильо нужно в Прадо и в Эрмитаже.

2.2.3. ВЫСТАВКА ЗАПАДНОЕВРОПЕЙСКОГО

ОРУЖИЯ XV-XVII вв.

В зале размещено богатейшее собрание западноевропейского оружия

XV—XVII веков. В экспозиции отображена эволюция оружия в XV—XVII веках.

Сразу при входе в зал № 243, слева, можно видеть вооружение XV века.

Рядом с кольчугой, защищавшей тело воина от рубящих ударов меча, находится

кинжал для пробивания кольчуг колющими ударами, созданный оружейниками в

XV веке. Усовершенствование наступательного оружия повлекло за собой, как

это обычно бывает в военном деле, дальнейшее развитие оборонительного

оружия—переход на сплошной пластинчатый доспех. Произошло это в конце

XIV—начале XV века. В это время в искусстве ряда стран были сильны

традиции готики, отразившиеся и на своеобразных удлиненных, с острыми

углами формах доспехов, получивших название „готических". Доспех,

состоявший из шестидесяти—ста шестидесяти подвижно скрепленных пластинок,

весил шестнадцать двадцать кг (не считая веса кольчуги, дополнительно

надевавшейся под него). Для ведения боя в подобном вооружении требовалась

особая выносливость, специальная тренировка воина. С этой целью уже с IX

века проводились турниры рыцарей. Первоначально применяли боевое оружие, и

поединок нередко приводил к серьезному увечью и даже гибели участников. В

дальнейшем были разработаны особые правила ведения боя, использовано более

безопасное специальное турнирное оружие. Оно расположено справа от

готического доспеха и в ряде других разделов выставки.

Боевое оружие, служившее рыцарям в междоусобных войнах, использовалось

ими и в борьбе с крестьянами, поднимавшими восстания против своих

угнетателей—феодалов, а также против войск горожан, отстаивавших свои права

и независимость городов. Крестьянское вооружение, в основу которого

зачастую были положены привычные для крестьян формы орудий их труда:

боевая коса, боевой бич, боевой цеп, „моргенштерн" (утренняя звезда)

-выставлено неподалеку от кольчуги, у стены слева.

Разнообразное вооружение пехоты горожан находится в центральной части

зала, у стены напротив окон. Это огромные двуручные мечи весом и четыре

семь кг, которыми сражались особые отряды пехоты, древковое оружие

алебарды, глефы, расседлыватель (им захватывали рыцаря за горлo и

сбрасывали с коня), стрелковое оружие (витрина слева), в частности

арбалеты. стрела из которых (так называемый болт) пробивала рыцарские латы.

Рядом с этой витриной выставлен доспех, появившийся в XVI веке

(„максимилиановский" —якобы изобретенный немецким императором

Максимилианом). Гофрированная поверхность пластин, придававшая броне

большую) прочность, подвижное соединение доспеха со шлемом. Уменьшение веса

и другие усовершенствования способствовали широкому распространению этого

нового вооружения.

Многие экспонаты выставки отличаются виртуозностью художественного

оформления. Таковы, например, пушка работы итальянского оружейника XVII

века Мадзаролли, ствол которой украшен гирляндами виноградных лоз и

фигурками античных божеств, бронзовый позолоченный щит с чеканным

изображением сцены сражения, исполненный немецким мастером Зигманом, а

также другое турнирное и охотничье оружие.

2.2.4. ИСКУССТВО ФЛАНДРИИ XVII в.

Выставка произведений фламандской живописи является одной из

богатейших и лучших в Эрмитаже.

Художники Фландрии и Голландии сыграли выдающуюся роль в развитии

европейской живописи XVII века. Культура и искусство этих двух государств,

образовавшихся в конце XVI века в ходе Нидерландской буржуазной революции и

последующего разделения Нидерландов, переживали период наивысшего

расцвета.

Сравнительно высокий для того времени уровень развития экономики,

природные богатства, торговые связи с соседними странами обеспечили

маленькой Фландрии видное положение среди крупнейших государств Европы,

способствовали развитию ее культуры. Огромное влияние на развитие

фламандского искусства оказали события Нидерландской революции XVI века, а

также последующая борьба, которую приходилось вести Фландрии. Все это

пробудило в народе чувство национального самосознания, готовность бороться,

отстаивая интересы своей родины, свою свободу и право на лучшую жизнь.

Глубокий оптимизм, вера в торжество человека над силами зла, прославление

красоты мира, его богатства и изобилия ярко и своеобразно выражены в

искусстве целой плеяды выдающихся художников Фландрии.

На выставке представлены первоклассные произведения Питера Пауля

Рубенса, Антониса Ван-Дейка, Якоба Иорданса, Франса Снейдерса и других

всемирно известных фламандских художников.

2.2.5. искусство голландии xvii в.

В ходе Нидерландской буржуазной революции семи северным провинциям

Нидерландов в упорной борьбе удалось завоевать победу и создать передовое

для того времени государство — буржуазную республику Соединенных провинций

(Голландия).

Бурное экономическое и политическое развитие страны в начале XVII века

сопровождалось подлинным расцветом искусства. Сотни художников, среди

которых было немало всемирно известных мастеров, создавали обычно небольшие

картины для продажи на рынке, в расчете на вкусы купцов и ремесленников,

бюргеров и крестьян. Каждый из них работал, как правило, в одном или двух

жанрах.

Произведения этих художников экспонированы в Шатровом зале.

Особый интерес в этом отделе представляют картины Рембрандта – «Снятие

с креста», «Портрет старика в красном», «Возвращение блудного сына»,

«Даная».

2.2.6. ИСКУССТВО ФРАНЦИИ XV—XVIII вв.

Собрание произведений французского искусства в Эрмитаже по праву

считается богатейшим. За исключением самой Франции, ни одна страна в мире

не обладает столь обширной и разнообразной коллекцией, позволяющей по

первоклассным образцам проследить развитие всех основных направлений

французского искусства с XV по XX век – лиможские эмали XV – XVI веков,

фаянсы Бернара Палисси, работы Пуссена, Ватто, Шардена, пейзажи Лоррена,

многочисленные изделия из серебра, гобелены, скульптуры Фальконе, и многое-

многое другое.

2.2.7. ИСКУССТВО АНГЛИИ XVII—XIX вВ.

На сравнительно небольшой по своим масштабам выставке представлена в

основном портретная и пейзажная живопись XVIII века — периода расцвета

английского искусства.

Произведений крупнейшего английского живописца XVIII века Джошуа

Рейнолдса (1723—1792) в бывшем Советском Союзе сравнительно немного. А

между тем это необычайно плодовитый мастер, создавший около двух тысяч

картин, преимущественно портретов своих современников. Например, в Эрмитаже

представлена его работа: «Младенец Геракл, удушающий змей». Здесь мы также

можем познакомиться с работами современника Рейнолдса, знаменитого

английского художника – портретиста Томаса Гейнсборо.

3. ОБЗОР НЕКОТОРЫХ ЭКСПОНАТОВ МУЗЕЯ.

В коллекциях Эрмитажа находятся сотни тысяч экспонатов. Любой экспонат

имеет огромную ценность, художественную и историческую.

Для посетителей музея ценность коллекций ясна. Однако, каждый находит

для себя те самые произведения и работы, которые являются для него наиболее

значимыми. Нельзя создать объективную градацию экспонатов по значимости.

Она всегда будет субъективной.

В этой работе также была сделана попытка отобрать наиболее яркие,

выдающиеся, с нашей точки зрения, экспонаты. Мы уверены, что внимание

посетителей Эрмитажа также привлекут эти произведения.

Колыванская ваза

Одним из самых замечательных творений русских камнерезов прошлого

является знаменитая Колыванская ваза (в зале № 128). Созданная из красивого

камня —ревневской яшмы,— она поражает своими размерами, красотой формы и

совершенством обработки материала. Высота вазы более двух с половиной

метров, большой диаметр чаши — пять метров, малый - свыше трех метров. При

весе в девятнадцать тонн (это самая тяжелая в мире ваза, выполненная из

твердого камня), она не выглядит громоздкой. Тонкая ножка, удлиненная

овальная форма чаши, расчлененной с боков и снизу радиально расходящимися

„ложками", соразмерность частей придают ей изящество и легкость. Ваза

изготовлена из глыбы камня, которую в течение двух лет обрабатывали на

месте находки, а затем тысяча рабочих доставила ее за пятьдесят верст на

Колыванскую фабрику, прорубая для этого дороги в лесах и создавая переправы

через реки. Непосредственно над выполнением самой вазы, создававшейся по

проекту архитектора Мельникова, мастера Колыванской гранильной фабрики

трудились в течение двенадцати лет, закончив работу к 1843 году. В

Петербург ее доставили с большим трудом, в разобранном виде (ваза состоит

из пяти частей, причем основная из них — чаша — монолитна). До Урала вазу

везли на специальной телеге, в которую впрягали от ста двадцати до ста

шестидесяти лошадей. А далее по Чусовой, Каме, Волге, Шексне и Мариинской

системе переправили на барже до места выгрузки на набережной Невы. После

предварительного укрепления фундамента семьсот семьдесят рабочих установили

ее в зале Эрмитажа, где она находится и в настоящее время.

Колыванская ваза, одно из наиболее грандиозных и удивительных по

мастерству исполнения произведений русского камнерезного искусства, по

праву занимает почетное место среди сокровищ Эрмитажа.

„Мадонна Литта" Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи создал немало шедевров. Одним из произведений,

выполненных в характерной манере Леонардо, является «Мадонна Литта», на

которой мы и остановились.

В картине „Мадонна Литта" Леонардо стремился воплотить черты идеально

прекрасного человека, передать его внутреннюю гармонию и красоту. Голова

мадонны повернута почти в профиль; на темном фоне стены отчетливо виден

ясный и чистый контур лица и фигуры. Лицо озарено мягким светом. Художник

выразительно передает глубину и нежность чувств матери, задумавшейся о

судьбе своего сына. Мы почти не видим глаз мадонны, но ощущаем ее ласковый

взор, обращенный к младенцу. Ребенок, словно потревоженный присутствием

посторонних, повернул кудрявую головку и смотрит на нас. Глаза его

подернуты легкой поволокой. Фигурка младенца расположена на руках мадонны

так, что хорошо ощутим вес детского тельца. Великолепно переданы в картине

объемы—Леонардо выявляет их с помощью светотеневой моделировки, приемы

которой были разработаны им и превращены в действенное средство передачи

материальных форм. Картина проста и лаконична. В ней нет элементов

будничности. Лаконичны и краски, где доминируют красная, синяя, черная.

Сама композиция картины, лишенная движения (оно показалось бы здесь

неуместным), с фигурами, точно вписанными в треугольник, что усиливает

впечатление устойчивости, и симметрично расположенными окнами, подчеркивает

равновесие, гармонию, спокойствие, которые характерны были не только для

произведений Леонардо да Винчи, но и для искусства Высокого Возрождения в

целом.

„Даная" Тициана

Жизнерадостность, присущая таланту Тициана, ярко проявилась в его

картинах на мифологические темы. Несколько раз обращался художник к

греческому мифу о Данае, создав картины, близкие по содержанию и композиции

.

Миф повествует о том, что аргосскому царю Акрисию оракул предсказал

смерть от руки внука. Тогда царь заключил свою единственную дочь Данаю в

башню и обрек ее на одиночество. Но избежать своей участи он все же не

смог. Зевс, прельщенный красотой Данаи, явился к ней в виде золотого дождя,

и у Данаи родился сын — Персей. Акрисий впоследствии действительно погибает

из-за своего внука. Характерно, что Тициана привлекает в рассказе о Данае

момент, который позволяет ему прославить силу любви, разрушающей все

преграды. воспеть красоту человеческого тела. В его картине все возвышенно,

но одновременно конкретно: и лицо Зевса, появившегося из-за облаков, и

золотой дождь в виде потока монет, и старуха-служанка, и Даная,

напоминающая скорее красавицу-венецианку, возлежащую на пышном ложе. Одна

из самых сложных задач в искусстве—изображение обнаженного человеческого

тела — решается Тицианом виртуозно. Художник воплощает здесь свое

представление о красоте. Он создает чувственный и в то же время

целомудренный образ женщины, страстно утверждая ее право на любовь и

счастье.

„Скорчившийся мальчик" МИКЕЛАНДЖЕЛО

Творчество великого скульптора, архитектора, художника и поэта эпохи

Возрождения Микеланджело Буонарроти (1475—1564) представлено в собрании

Эрмитажа скульптурой и маленькой фигуркой „Скованного раба" (выполненной из

дерева и покрытой сверху воском). Скульптура „Скорчившийся мальчик" (в

центре зала № 230) предназначалась для украшения гробницы правителей

Флоренции герцогов Медичи, но не попала в последний вариант этого

памятника. Скульптура закончена, однако на ней видны следы от ударов резца.

Микеланджело работает в новой манере: не прибегая к окончательной обработке

поверхности мрамора, он стремится прежде всего выявить главное содержание

образа, подчеркнуть в нем определяющие черты. Скульптор создает

выразительную фигуру скорчившегося мальчика. Голова его наклонена и лица

почти не видно, но упруго согнутая спина и напряженные мускулы тела создают

впечатление физической силы и одновременно внутренней собранности, усилия,

направленного на преодоление боли. В период кризиса Возрождения, когда

Микеланджело понял, что мечтам гуманистов о свободе человека не суждено

сбыться, он часто обращается к образам, полным драматизма. Его герои

противятся злу, борются, страдают. Подобные настроения сказались не только

в „Скорчившемся мальчике", но и в „Скованном рабе". В них нет уже

спокойствия и равновесия, свойственных искусству Леонардо и Рафаэля. Герои

Микеланджело ведут борьбу и часто, подобно „Скованному рабу", оказываются

не в состоянии сломить враждебные им силы.

„Портрет камеристки" Рубенса

Талант Рубенса-портретиста, быть может, наиболее ярко проявился в

эрмитажном „Портрете камеристки". Придворная правительницы Нидерландов

инфанты Изабеллы изображена погрудно на нейтральном фоне, без каких-либо

аксессуаров, так что все внимание зрителя сосредоточено на ее лице.

Строгие, резкие линии силуэта ее темного платья, узор плотных складок

крахмального кружевного воротника подчеркивают нежность и хрупкость

поэтичного облика девушки, мягкий женственный овал ее лица, гладкую

прическу с легкими прядками выбивающихся на висках светлых волос. Лицо

камеристки кажется трепетным, живым. Ощущаешь его теплоту, нежную мягкую

поверхность кожи, румянец на щеках. Чуть вздрогнули и приподнялись тонкие

брови, взгляд больших задумчивых серых глаз мечтательно устремлен мимо нас,

вдаль. Рубенс создает в этом случае редкий для его искусства образец

психологического портрета.

„Портрет старика в красном" Рембрандта

На этом портрете старик в красной одежде запечатлен в фас, крупным

планом в неподвижной, устойчивой позе, подчеркивающей его

сосредоточенность, глубокое раздумье. Он изображен на нейтральном фоне,

который нельзя даже назвать фоном в обычном смысле (это не комната и не

стена, но нечто пространственное — среда, в которой выделяется фигура

человека вне связи с конкретной обстановкой и предметами, которые снизили

бы и измельчили содержание произведения).

В картине два светлых пятна - лицо и руки. Но с какой удивительной

глубиной, неслыханной до Рембрандта силой и выразительностью эти написанные

в смелых обобщенных мазках лицо и руки рисуют нам сложный, многогранный

образ, в котором отражена целая человеческая жизнь.

Широкие и быстрые красочные мазки, выступающие иногда объемно,

делающие шероховатой и неровной поверхность холста, отличают поздние работы

Рембрандта от картин большинства его современников. Художник избегает

гладких, прилизанных поверхностей, кропотливого, мелочного выписывания

деталей. Для Рембрандта это не было чем-то внешним, формальным. Картины

подобного рода немыслимо представить себе написанными в гладкой эмалевой

технике.

Картина манит, заставляет вглядываться и вглядываться в изображение

старика. Не это ли есть высшее искусство – создать такой образ, что хочется

смотреть и смотреть на него?

„Младенец Геракл, удушающий змей" РеЙнолдса

„Младенец Геракл, удушающий змей" - одна из лучших мифологических

композиций мастера. Она создана по заказу Екатерины II в 1786—1788 годах.

Выбор сюжета, как указывал сам художник, не был случаен. Повествуя о

сверхъестественной силе Геракла, Рейнолдс напоминал о могуществе Российской

империи. Подобный прием и обращение к античным образам характерны для

художника-классициста.

Сюжет этого произведения заимствован Рейнолдсом у древнегреческого

поэта Пиндара. У царицы Алкмены от Зевса рождается сын Геракл; ревнивая

Гера — жена Зевса — решила расправиться с малюткой и подослала к нему змей.

Рейнолдс изображает Геру сверху в облаках. Тщетно ожидает богиня

осуществления задуманной мести. Напрасно в волнении бросается к сыну

Алкмена. Могучий младенец уверенно душит змей. Пораженные, остановились у

колыбели оракул Тиресий, муж Алкмены —царь Амфитрион, его свита и воины.

Картина величественна и монументальна. Рейнолдс использует в ней многие

приемы, характерные для искусства барокко (бурное движение, расположение

фигур в два-три яруса, резкие контрасты света и теней и т. д.).

Бюст Петра I работы К. Б. Растрелли

Один из лучших образцов русского скульптурного портрета, созданный К.

Б. Растрелли в 1723 году,—бронзовый бюст Петра I. По модели, выполненной

из глины, а затем из воска, Растрелли отлил два бюста: из бронзы и чугуна .

Бронзовый бюст (зал № 158) был закончен лишь в 1729 году, когда

помощник Растрелли, гравер Семанж, завершил чеканную его отделку. Особенно

тонко прочеканены узоры кружев, а также многочисленные детали парадного

костюма. На двух нагрудных щитках панциря рельефные изображения прославляют

Петра как создателя могучей России и выдающегося полководца. На одном Петр

представлен скульптором с долотом и молотом в руках, на другом — всадником,

участвующим в Полтавской битве. Даже не рассматривая эти изображения,

зритель представляет облик Петра I. Проницательный взгляд, гневное

выражение лица, непреклонность, ум, сила, воля, темперамент—все, что

сочеталось в характере Петра I, великолепно передано в этом портрете.

Развевающаяся за плечами горностаевая мантия, резкие изгибы и острые углы

силуэта скульптуры, блики света на нервном, подвижном лице еще более

выявляют энергию и порыв, присущие Петру.

Малахитовый зал

Малахитовый зал (№ 189) создан в 1839 году архитектором А. П.

Брюлловым совместно с его учениками А. М. Горностаевым (1808—1862), А. Н.

Львовым и др. Зал декорирован уральским малахитом. Восемь колонн и столько

же пилястр, два камина, торшеры, а также ряд столиков, ваз и вещей,

находящихся здесь и дополняющих убранство помещения, украшены малахитом в

технике „русской мозаики". Всего на оформление зала пошло свыше ста

тридцати трех пудов малахита. Широкое применение нашла здесь и позолота. Ею

покрыты бронзовые капители и базы колонн, украшения каминов, обрамление

зеркал, рельефные узоры из папьемаше, занимающие большую часть потолка,

двери резного дерева и т. д. Своеобразное и эффектное сочетание двух

материалов — ярко-зеленого малахита и сверкающего золота — определяет

парадное звучание и мажорный тон интерьера. Это впечатление дополняют

великолепнейший, составленный из девяти различных пород дерева паркет и

созданные специально для этого зала кресла, обитые интенсивным по цвету

малиновым шелком.

Малахитовый зал интересен не только как памятник русской архитектуры и

камнерезного мастерства.

С начала июля 1917 года, когда Зимний дворец превращается в

резиденцию буржуазного Временного правительства, заседания кабинета

министров происходят в Малахитовом зале. В ходе исторических событий

Великой Октябрьской социалистической революции революционные рабочие,

солдаты, матросы в ночь с 25 на 26 октября штурмом овладевают Зимним

дворцом. Они проходят через Малахитовый зал и в соседнем с ним помещении

Малой столовой арестовывают членов Временного правительства.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В настоящей работе была совершена попытка охватить такие аспекты темы,

как история и настоящее существование Эрмитажа. Работа лишь обозначила вехи

и штрихи в богатом и многозначном мире музея. Однако, даже это позволяет

нам с полным правом сделать вывод о том, что наряду с крупнейшими музеями

мира, Эрмитаж в силу масштабности и исключительно высокого уровня своих

коллекций представляет собой явление общечеловеческой значимости.

Эрмитаж – это не музей, вернее, это не просто музей. Это сама история,

сама красота и само величие Искусства в его все историческом и вселенском

масштабе. «Музей – это не механическая сумма инвентарных номеров, это нечто

вроде эпической поэмы, к которой приложили руку многие поколения.»[1]

На вопрос, сколько времени понадобится для ознакомления с коллекциями

музея, можно ответить так: - на это понадобится вся жизнь, потому что

каждая новая встреча даже с уже знакомым памятником всегда открывает в нем

нечто новое, незнакомое. Таково свойство настоящего, истинного искусства.

-----------------------

[1] Значение Эрмитажа в русской и мировой культуре., стр 188.